viernes, 28 de diciembre de 2012

¿La culpa es de Fidel o la lección es de Anna?


Francia, corren los años 70, Anna es una niña de 9 años, su familia es de un nivel económico alto, ella y su hermano menor van a un colegio católico, pero no todo es color de rosa en su familia. Una sombra entorpece su buen pasar, un tío que lucha contra el franquismo en España, es comunista y de él no se debe hablar en la familia. Tras la detención y muerte de su tío, un viaje a Chile por parte de sus padres los hace transformarse completamente y le muestra a Anna una visión del mundo que hasta ese momento era vista como incorrecta. Esta muerte y detención será el desencadenante de la historia que Anna nos contara desde su propio punto de vista.
“La culpa es de Fidel” transcurre en el Paris de 1970-1973 con la decantación del Mayo del 68, el ascenso y caída del gobierno de Salvador Allende en Chile y la lucha pública de mujeres para la legalización del aborto. Todos estos puntos serán elementos que irán modificando la forma en que Anna (Nina Kervel) se ira relacionando con sus padres (Julie Depardiu y Stefano Accorsi), con los otros integrantes de su familia, con su entorno escolar, con sus amigos y con los militantes de izquierda que circulan por su casa (“Los barbudos comunistas”, como ella los llama y en los que cree ver la causa de sus desgracias).
Julie Gavras debuta como directora con esta película, “La culpa es de Fidel” es su opera prima y la hace quedar más que excelente. Logra llegar al espectador con tanta fuerza que uno termina entendiendo tanto la posición militante de los padres, que buscan darle a sus hijos un mejor nivel de vida social (según su punto de vista), como a Anna y su hermano menor que no pueden entender estos cambios ni adaptarse a ellos. La directora logra, como si  se tratara de un cuento, mostrarnos a través de la visión de una niña la peor parte de nuestra historia reciente sin especulación, como solo un niño puede narrarlo, una visión neutra y apolítica.
El guión de la película es extraordinario, posee frases que solo un niño puede ser capaz de decir desde su ingenuidad y su desconocimiento del mundo. Es un guión simple, ya que en su mayoría es dicho por una niña, pero al mismo tiempo reproduce ideas profundas y logra llegar a cada espectador.
La música de la película consigue acompañar de la mejor manera todas las escenas de la misma, ya sean las mas duras como cuando los padres de Anna la llevan a una marcha política, hasta los momentos mas felices que ella recuerda cuando estaba en su casa de Francia con sus abuelos.
“La culpa es de Fidel”, “La faute à Fidel!” en su idioma original, puede sintetizarse como  lo nuevo del cine francés, el realismo se apodera de las imágenes y donde los niños nos cuentan la verdad de lo que sucedió con nuestra maltratada historia.
El film intenta mostrar que Anna podría ser cualquier niña en cualquier país en esos años de cambio social.


Ficha Técnica:

Titulo: La faute à Fidel!
Año: 2006
Dirección: Julie Gavras
Producción: Sylvie Pialat y Mathieu Bompoint
Guión: Arnaud Cathrine y Julie Gavras
Música: Armand Amar
Fotografía: Nathalie Durand
Genero: Drama
Duración: 99 minutos
País: Francia





Por Anahí Boragnio

miércoles, 5 de diciembre de 2012

La vida necesita de más guitarras criollas, ukeleles y charangos.-





"Cántale a la luna y al sol, cántale a tus amigos con el corazón..."

viernes, 23 de noviembre de 2012

Cine – Teatro, la combinación perfecta en 9 tomas


El cine y el teatro pueden ser similares pero cada uno cumple con una característica distinta. La edición, los cortes y las diferentes tomas de una misma escena es lo que los separa principalmente. 
En el cine una escena puede ser grabada varias veces y luego ver que toma queda mejor; En cambio en el teatro, lo que se hace es lo que se ve, no hay posibilidades de grandes errores o de volver sobre una escena, el espectador ve cada acción y detalle de lo que pasa en el escenario.
Es imposible pensar en una película como obra de teatro, los cambios de escenario, las tomas y los movimientos de cámara son característicos del cine y, casi imposible, llevarlos a las tablas. 
Nada más, ni nada menos que Hitchcock consigue romper con todos estos cánones. Conocido por grandes películas como “Rebbeca” (1940), “Cuéntame tu vida” (1945),  “La ventana indiscreta” (1954), “Psicosis” (1960), “Los pájaros” (1963), Hitchcock logra en “La soga” (1948) hacer cine – teatro.


“La soga” es el primer filme a color dirigida por Hitchcock y en donde logra hacer algo sensacional. La película esta rodada en una sucesión de planos secuencia, su historia parece filmada en una sola toma pero tiene 9 cortes. La intención de Hitchcock era rodarla en tiempo real en una sola toma, pero las cámaras solo podían grabar 10 minutos seguidos así que se vio obligado a hacer varios cortes. 
Hay momentos de la película donde una ve que la cámara se acerca a un lugar oscuro, sobre todo a la espalda de los actores, esos son los momentos donde se hacia el cambio de rollo, para que no se use la edición. Se terminaba la toma en una espalda, se hacia el cambio de cinta y se continuaba grabando desde ese mismo lugar. De este modo se logro una acción continua y es donde entra la esencia del teatro. El espectador en todo momento siente que ve una obra de teatro ya que no se perciben cortes en las escenas.
Es para destacar la actuación de los personajes, con este nuevo concepto de cine – teatro que hizo Hitchcock, sus actuaciones debían ser continuas, sin errores ni pausas y así lo fueron. 
“La soga”, “Rope” en su idioma original, cuenta la historia de una pareja de excelentes estudiantes, Brandon (John Dall) y Phillip (Farley Granger), que ahorcan a un compañero de clase David Kently (Dick Hogan). El objetivo del asesinato es mostrar su superioridad, influenciados por su profesor Rupert Cadell (James Stewart). Después de cometida la muerte organizan una fiesta donde invitan a los padres de la victima, donde solo va su padre (Cedric Hardwicke) y en lugar de la madre va su tía (Constance Collier), a su novia (Joan Chandler), su mejor amigo (Douglas Dick) y al profesor. 
La historia consigue mantener al espectador atento a cada acción pero el momento culmine es en su  desenlace. Es un filme que esta basado en la teoría del filósofo alemán Nietzsche, tomada, reformada y utilizada luego por el Nazismo, sobre el “Superhombre”. Esta teoría se basa en una sustitución de Dios para que el hombre se convierta en un ser con plenitud de poder, según Nietzsche una transformación que requiere voluntad de dominio, agresión y sentimientos hacia lo ajeno. 
“La soga” fue una película que causo cierto escándalo en su tiempo. Aunque nunca se menciona ni se hace explicito, se puede percibir una relación homosexual entre los protagonistas, situación que para los años 40 no era aceptada por la sociedad.
Una película donde lo extraordinario se mezcla con lo cotidiano, donde se tratan temas del falso culpable, la transferencia de culpa y se conecta lo siniestro con el destino, Hitchcock consigue unir el arte con el entretenimiento de una manera sublime.
¿Puede alguien auto nominarse “ser superior” y matar a una persona por considerarlo “inferior” sin sufrir ninguna consecuencia? Hitchcock plantea esto en una pelicula con la duracion justa y nos deja pensando en su respuesta.

Ficha Técnica:

Titulo: Rope
Año: 1948
Dirección: Alfred Hitchcock
Producción: Sidney Bernstein y Alfred Hitchcock
Guión: Ben Hecht, Arthur Laurents (Basada en la obra de Patrick Hamilton)
Música: Leo Forbstein
Fotografía: William V. Skall y Joseph A. Valentine
Género: Suspenso
Duración: 80 minutos
País: Estados Unidos

Por Anahí Boragnio

viernes, 16 de noviembre de 2012

Charles Chaplin: "Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo."

Mirada de cerca, la vida es una tragedia, pero vista de lejos...parece una comedia.

Nadie puede negar que Charles Chaplin fue uno de los primeros actores cómicos que supo, a través de las muecas y la actuación, cautivar a cada espectador.
"El Pibe" es una de las películas mudas que logro trascender y sigue siendo popular hoy en día.
Es interesante ver como se logra reunir en una sola historia, no muy larga, miles de sentimientos. Esta película envuelve la ternura, la protección, el desinterés y la comedia.
El vagabundo (Charles Chaplin) vive una vida normal hasta que, sin buscarlo, debe hacerse cargo de un chico (Jackie Coogan) que fue abandonado por su madre (Edna Purviance). A lo largo del filme se muestra como dos personas abandonadas logran reconstruir algo tan grande como el amor.
La película es una crítica que defiende el sentimiento de los pobres, del que carece el Estado representado por la asistente social.
En cuanto a la producción y escenografía, se puede notar una diferencia abismal con las películas de hoy en día,  pero en ese momento eran de alto nivel.
La gran mayoría de las escenas de "El Pibe" se basan en planos generales y fijos, no hay movimiento de cámara que acompañen a los actores.
La escenografía es toda de estudio, aunque la película tiene muchas escenas de exterior, ya que en su mayoría transcurre en la calle, todas las tomas mostradas están hechas dentro de cuatro paredes, en un estudio de grabación.
Todo esto, que hoy es poco probable que ocurra, se debe a la poca tecnología que había en la época.
La música, como es compuesta por Chaplin, ayuda a todos los climas de la película y logra una simbiosis entre lo dramático y lo cómico.
En "El Pibe", "The Kid" en su idioma original, los protagonistas son 3 y las actuaciones son de primer nivel. Empezando por Charles, que ya venia con grandes referencias en el mundo del cine. Logra, a lo largo de la película  hacer emocionar y reir a cada espectador; Edna Purviance que hace el papel de la madre del chico quien lo abandona y se arrepiente de dicho acto, consigue que podamos comprender a su personaje a pesar de los diferentes matices que posee; Jackie Coogan, el niño abandonado, es la verdadera revelación de la película  Encarna uno de los personajes mas difíciles, ya que es quien sufre la mayoría de los problemas que se llevan a cabo. Coogan logra, a pesar de su corta edad, hacernos creer cada una de sus acciones, pasando por las escenas picaras a escenas con una gran carga emotiva. 
Empezando por "El Pibe" y siguiendo por todas sus películas  Chaplin siempre plasmo la critica hacia lo social desde el lado emotivo y cómico; Fue, es y sera un gran exponente de lo cómico, lo humano y lo poético.


Ficha Técnica:

Titulo: The Kid
Año: 1921
Dirección: Charles Chaplin
Producción: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Música: Charles Chaplin
Fotografía: Roland Totheroh
Género: Comedia
Duración: 65 minutos




Por Anahí Boragnio

jueves, 15 de noviembre de 2012

Muerte digna: La ley fue aprobada por unanimidad luego de un debate de cuatro horas

El 9 de mayo de 2012, el Senado y la Cámara de Diputados de la Nación, sancionaron la ley de Muerte Digna.
El debate comenzó para modificar la Ley sobre Derechos del paciente en su relación con los profesionales e Instituciones de la salud (Ley 26.529).
Luego de una seguidilla de casos expuestos públicamente y de preguntarse hasta donde la ciencia ayuda en la salud, se decidió hacer una ley donde se permita que una persona deje constancia previa si desea o no mantener su corazón con vida de manera artificial ante “una enfermedad irreversible, incurable o se encuentre en estadio terminal”.
La Ley consta de 25 artículos donde en cada uno se plasman los derechos que tiene el futuro paciente y las garantías que se le dan tanto a él como a los médicos, que establece que ningún profesional que obre de acuerdo a la ley será sujeto de responsabilidad civil, penal ni administrativa.

El debate por la muerte digna cobro impulso a partir del caso de Selva Herbón, madre de Camila, una nena que estuvo en estado vegetativo desde que nació y, luego de cumplir un mes la sanción de la ley, fue desconectada. Selva hizo pública su historia y suplico esta ley para que un marco legal ampare a los médicos y los familiares de las cientos de personas que hay en el país en estado de salud irreversible. 


Por Anahí Boragnio

jueves, 1 de noviembre de 2012

Había una vez...Huevos

Aníbal y Carmen se conocieron en un resto de Palermo, fue amor a primera vista. Él fue quien se animo a hablarle, desde ese día pasan cada hora juntos y hacen que su amor crezca día a día


Aníbal siempre le tuvo miedo al compromiso pero Carmen siempre soñó con una familia  y casarse. Luego de mucho pensar, Carmen le dijo a Aníbal que él decida... casarse o separarse, sin más que decir, una mañana frente a la heladera de la casa de ella, Aníbal le propuso casamiento y Carmen, sin dudarlo dijo: "SI QUIERO!"


Luego de una fiesta a todo trapo y una luna de miel a Chascomus con todo pago, Aníbal y Carmen compraron su casa y empezaron a transitar un camino de mala fama, llamado convivencia.


Ellos tenían la vida que soñaron, pensaban que nada ni nadie podían destruir el amor que sentían. Pero una tarde, mientras Aníbal iba al trabajo, se cruzo con una mujer que despertó en él fantasías que, hasta ese momento, estaban en lo mas profundo de su ser.


Reflexionando sobre lo ocurrido, Aníbal se dio cuenta de lo mal que podría llegar a hacer esto a su matrimonio, la destrucción que podía causar y los años de amor verdadero que tiraría por la borda si seguía pensando en esa desconocida mujer. Sin saber que hacer, y escuchando de fondo una canción de Ricardo Arjona, opto por la cobardía y decidió ahogar sus penas y pensamientos en la bebida.


En un estado de ebriedad y tristeza profunda, Aníbal no tuvo mejor idea que contarle lo sucedido a Carmen, sin vueltas ni excusas pero intentado demostrarle a ella que se había dado cuenta de su error y que el amor que le tenia era mucho mas grande y verdadero que cualquier fantasía absurda.


Lo que Aníbal nunca imagino fue como reaccionaria Carmen...Llanto, furia, enojo, desprecio, desesperación fue lo único que se vio en ella. Comprendiendo lo que pasaba y dándose cuenta que su marido, a quien tanto ella amaba, había pensado en otra mujer..Carmen decidió hacer lo que nunca nadie imagino, matar a Anibal y hacerlo...


HUEVO FRITO!



Por Anahí Boragnio

domingo, 14 de octubre de 2012

Gustavo Cerati, una fuerza natural

El canta autor Gustavo Cerati, se encuentra internado hace ya dos años en el Sanatorio de los Arcos a causa de un ACV producido luego de un recital en Venezuela.
Principalmente Gustavo Cerati estuvo internado en la clínica Flemi, pero por un cuadro serio de neumonía, se lo traslado al Sanatorio de los Arcos ya que se le brinda un tratamiento de mayor complejidad.
Desde el momento de su internación hasta el día de hoy, el ex cantante de Soda Stereo, se mantiene estable y no muestra cambios significativos en su estado, aunque se pueden percibir débiles señales de mejoramiento en sus capacidades motrices.
Bajo el cuidado de enfermeras, kinesiólogos, músicoterapeutas y un equipo de médicos especializados en la materia, Gustavo Cerati y la familia emprendieron un largo y duro viaje hacia la recuperación.
Cerati cuenta con el apoyo tanto de su familia como de sus fans, ya que desde que sufrió el ataque estuvo acompañado por todos. Haciendo cadenas de oración,  pidiendo que la gente escuche a una hora determinada un mismo tema de su autoría o simplemente recordándolo diariamente, las esperanzas no se pierden y todos sabemos que con la fuerza natural que Gustavo tiene podra salir adelante.




Por Anahí Boragnio

viernes, 12 de octubre de 2012

Abrazo solidario al Circulo de la Prensa


El Miércoles 10 de octubre se realizó un abrazo solidario en defensa de la  educación y la libertad de expresión. Dicho acto fue llevado a cabo por la escuela de periodismo Circulo de la Prensa bajo el lema "NO a la quita del edificio de Perú 358; NO al cierre de la Escuela de Periodismo Circulo de la Prensa".

Lejos quedaron los años de gloria y reconocimiento para esta Escuela de periodismo que forma a estudiantes de la profesión desde 1876, hoy debe plantearse el cierre o la continuidad de su actividad educativa.
El gobierno de la ciudad de Buenos Aires intimo a la Cooperativa Circulo de la Prensa a desalojar el edificio que queda en la calle Perú 358 y donde funciona la institución desde el año 1983. 
Este edificio, ubicado hoy en día en un lugar turístico, fue cedido en el año 1983 por el uso de veinte años, caducado ese lapso la cesión fue renovada por cinco años mas por el ex jefe de Gobierno Aníbal Ibarra. 
Habiendo sido cumplido en tiempo y forma el uso del edificio como institución educativa, desde abril de 2008 el actual jefe de Gobierno Mauricio Macri no responde a la solicitud de una nueva cesión.
"Comenzaron las intimidaciones con resoluciones administrativas para desocupar el edificio - en el cual llevamos mas de 29 años seguidos -, los cuales se respondieron con dos recursos administrativos, uno de revisión y otro jerárquico " dice Alberto Suárez San Martín, presidente de la Cooperativa Circulo de la prensa.
Habiendo pedido ya varias audiencias tanto al Gobernador como al jefe de Gabinete Horacio Rodríguez Larreta, un nuevo problema con la educación toca a la puerta del ingeniero Mauricio Macri y nuevamente él se llama al silencio.
50 profesores trabajan para la cooperativa y más de 120 alumnos son formados diariamente para seguir la vocación que eligieron, con el cierre de la Escuela y la no solución a un traspaso de edificio todos estos lugares quedaran vacíos.
Alumnos, docentes y directivos del Circulo de la Prensa lucharan para continuar sus actividades, defender el valor de la educación y darle un final positivo a este hecho que lleve a la continuidad de esta Escuela de periodismo considerada una de las más prestigiosas de Latinoamérica.



Por Anahí Boragnio

domingo, 7 de octubre de 2012

Un cuento chino


¿Cuántas veces pensamos en situaciones que creemos absurdas y que jamás sucederán? Esas noticias que aparecen en los medios y uno dice “Esto tiene que ser inventado, es imposible que suceda”.
Un cuento chino es la nueva comedia dramática Argentina que dará que hablar. Con la dirección de Sebastián Borensztein y de la mano de uno de los mejores actores de Argentina, Ricardo Darin, la película se basa en la vida cotidiana de una persona que de golpe una situación absurda dará un cambio radical en sus días.
Un chino llamado Jun (Huang Sheng Huang) cambiara la vida de Roberto (Ricardo Darin) y hará que este se de cuenta de cómo paso su vida aislado de la sociedad.
En tan solo una hora y media, el director Borensztein logra, con sencillez pero gran éxito, contar una historia real pero increíble y mostrar la necesidad del afecto para no vivir aislados del resto del mundo en lo fisico y lo emocional.
Una película con tan solo tres personajes pero que cada uno de ellos tiene un rol muy importante en todo el transcurso de la historia.
Cada actor logra lucirse en su poco tiempo de escena que posee, ya que la historia básicamente ronda en el chino y en Roberto.
Muriel Santa Ana, en su personaje como Mari, tiene escenas muy cortas, pero es capaz que en cada una de ellas genere, de forma imprevista, un conflicto que luego será resuelto; sus sentimientos son tan bien expresados que uno logra meterse en su personaje y entenderlo en cada una de sus actitudes.
Darin al mismo tiempo, siendo Roberto, muestra todo el tiempo sus ambigüedades con la vida y hace que uno sienta lo mismo que él, un personaje que genera odio y amor en el público al mismo tiempo.
El actor Huan Sheng Huang no se queda atrás, ya que con su personaje como Jun o “el chino”, todo el tiempo te mantiene en desesperación, porque al no hablar español se dificulta la comprensión para con él
Un cuento chino es una de las pocas películas que no usa un recurso tan necesario como la música, logra transmitir y hacerte sentir todo lo que siente el personaje desde su actuación misma.  
Un cuento chino es una película sencilla, sin dobles intenciones o bajada de línea, sólida y concreta que no defrauda a los seguidores del cine argentino.

Ficha Técnica:
Dirección: Sebastián Borensztein
Producción: Pablo Bossi – Juan Pablo Buscarini
Guión: Sebastián Borensztein
Música: Lucio Godoy
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Genero: Comedia Romántica
Duración: 95 minutos.
Clasificación: ATP





Por Anahí Boragnio

viernes, 5 de octubre de 2012

Greek: La otra cara de Edipo Rey


Miedo, Amor y Castigo es el eje central de  la clásica tragedia de Sófocles, “Edipo Rey”.
Greek es una versión moderna de Steven Berkoff haciendo una mirada casi letal al universo social en el que le toca vivir.
La obra es situada en la década del 80 y muestra la violencia en el fútbol, los odios raciales, la especulación económica, la explotación laboral y la discriminación como elementos de la peste en la sociedad.
Los actores de Greek en escena
Excelentes son las actuaciones. Es para destacar el gran trabajo de los actores.
Martin Urbaneja, encarna el papel de Eddy; un personaje que requiere de un vigor sostenido a lo largo de toda la puesta. Los demás integrantes de la obra tienen la complejidad de ponerse en la piel de dos personajes: Horacio Roca interpreta a ambos padres, el biológico y el adoptivo; Roxana Berco personifica a la hermana de Eddy y también a su madre biológica/esposa, e Ingrid Pelicori encarna a dos personajes contrapuestos completamente, a la madre adoptivo sumisa y a la esfinge (un personaje con una personalidad fuerte e independiente).
En cuanto a la escenografía, a primera vista el escenario parece vacío y los elementos se ven básicos, pero a lo largo de la obra uno nota que es completamente funcional adaptándose a cada una de las necesidades escénicas. La iluminación acompaña con precisión el desarrollo de cada acción y la construcción de los climas requeridos.
El vestuario de los personajes es simple, neutro y atemporal; si no fuera por la ubicación de época que da el guión uno no podría hacer una relación de la década donde transcurre con el vestuario que se usa.
Si algo tiene la obra que sale de lo común es su guión. La vigorosidad que alcanzan las palabras incomoda, erotiza e incluso puede llegar a matar. Un guión que da lugar a reflexionar al espectador en todo momento.
Greek es una obra con la duración justa en donde mantiene al espectador todo el tiempo en vilo de lo que va a suceder.


Ficha Técnica:

Duración: 90 minutos
Traducción: Rafael Spregelburd
Actores: Ingrid Pelicori – Roxana Berco – Horacio Roca – Martín Urbaneja
Diseño y realización de escenografía: Pía Drugueri
Diseño de luces: Marco Pastorino
Diseño y realización de vestuario: Pía Drugueri
Asistente de vestuario: Cinthia Benítez
Entrenamiento corporal: Florencia Rapan
Diseño coral de voces: Miguel Ángel Pesce
Dramaturgia: Ingrid Pelicori – Analía Fedra García
Fotos: Néstor Barbitta
Asistente de dirección: Marcio Bercelò
Dirección: Analía Fedra García

Teatro: Centro Cultural de la Cooperación – Corrientes 1543
Funciones: Sábados y Domingos 20.15hs.
Entradas: $70

Por Anahí Boragnio

Molly Bloom: Pensando la palabra como música



“La intimidad de este monólogo interior, que Joyce inventa, hace de Molly una Penélope liberada de la moral victoriana, que empieza y termina con la palabra femenina SI, según escribe Joyce en una carta a Frank Budgen” Cristina Banegas.
Molly Bloom es una obra que gracias a la actuación de Cristina Banegas se vuelve interesante y mantiene al espectador al tanto de lo que ocurre.
Un discurso feminista donde el relato se construye con fragmentos de historias personales, anécdotas y emociones. Por momentos Molly, el personaje que encarna Cristina Banegas, recuerda algunas estrofas de canciones que tararea en su cabeza, se ríe, se emociona, se erotiza y se enoja. Es un texto extremadamente vital.
Hay dos desafíos que se ven en esta puesta en escena:
El primero el como interpretar un texto de 90 paginas sin caer en lo monocorde y logrando la atención constante del publico.
El segundo es de montaje, montar e interpretar los pensamientos de una mente humana.
Ambos desafíos son muy bien resueltos durante toda la obra tanto desde la actuación como desde la dirección. Sin embargo no es fácil sacar al espectador de la duda del por que la obra es todo el tiempo leída, ¿no seria, acaso, mas llamativo y estético que el monólogo sea recordado e interpretado por la actriz sin necesidad de su lectura? ¿No se trata de eso el teatro, la interpretación de un texto desde lo oral y corporal?
Estas preguntas pueden ser respondidas desde la teoría que plantea el staff de la obra. Cada palabra, pensamiento, anécdota y vivencia que tiene la protagonista es como música para ella.
De esta manera es también entendida la escenografía, que solo se trata de una sabana blanca que va desde el piso hasta el techo y un atril en donde esta el texto. Un atril, como el de las orquestas, como si fuese una partitura, como si ese texto fuera música por si solo.
Las luces saben acompañar muy bien los momentos donde Molly muestra enojo, tristeza o donde habla su conciencia. La música es interpretada por la misma actriz cuando recuerda estrofas que salen de su cabeza.
Molly Bloom es una obra donde señoras mayores de 40 años, divorciadas, se sienten identificadas con el libro, pueden sentirlo y se sonrojan al escuchar los momentos eróticos que se interpretan.

Ficha Técnica:

Duración: 60 minutos
Traducción: Laura Fryd y Cristina Banegas
Adaptación: Laura Fryd, Cristina Banegas y Ana Alvarado
Actores: Cristina Banegas
Dirección de arte: Juan Jose Cambre
Diseño de iluminación: Matias Sendon
Diseño de sonido: Facundo Gomez
Realización escenografita: Sol Soto
Realización de vestuario: Marta Klopman
Dirección: Carmen Baliero
Asistente de dirección: Francisa Ure


Cristina Banegas representando a Molly

Teatro: Centro Cultural de la Cooperación – Corrientes 1543
Funciones: Viernes, Sábados y Domingos 20.15hs.
Entradas: $70

Por Anahí Boragnio