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domingo, 4 de septiembre de 2016

Matt Damon, el colonizador de Marte

En algún momento de la vida nos surge preguntarnos sobre la posibilidad de sobrevivir a un apocalipsis zombie y, muchas veces, nuestras ganas de aventura y nuestro instinto de supervivencia hace que respondamos: “SI, ¿Cómo no vamos a sobrevivir?” mientras que, otras tantas (un poco más realistas, capaz) decimos que no. Ahora, ¿Sobrevivir a la soledad del planeta Marte? Yo automáticamente respondo NO y pensar en ¿sobrevivir a la soledad del planeta Marte por más de 1 año? ¡Menos aún!

“Misión Rescate” narra la historia de Mark Watney (Matt Damon), un astronauta que, durante una misión tripulada a Marte y después de una terrible tormenta, es dado por muerto y abandonado por la tripulación que emprende la vuelta a Tierra. El problema es que Watney sobrevivió y se encuentra solo y atrapado en el planeta rojo (Marte). Con pocos suministros debe recurrir a su ingenio, a la ciencia y a su instinto de supervivencia para encontrar no solo la manera de sobrevivir sino de comunicarse con la NASA para informar que sigue con vida.

Desde hace ya unos años, Hollywood nos viene presentando una seguidilla de aventuras espaciales y “Misión Rescate” forma parte de ellas, pero con una gran diferencia. “Gravedad” (Gravity, 2013) e “Interestelar” (Interstellar, 2014) nos daban un enfoque mucho más científico y hasta angustiante por momentos. 
Ante un tema tan científico y con tantos interrogantes, Ridley Scott, director de "Misión Rescate", opta por un enfoque más divertido y llevadero y logra un equilibrio perfecto entre ciencia, drama y humor (muchas veces del negro ya que Watney sabe que sus posibilidades de sobrevivir son limitadas).

El filme cuenta con dos horas y media de duración que pasan volando, no se sienten en ningún momento y, a pesar de las constantes referencias a lo científico o a lo mal llamado “Cultura nerd”, Scott logra atrapar hasta al espectador que no está muy acostumbrado a escuchar tantos nombres de la tabla periódica. “Misión Rescate” llega tanto a los fanáticos del espacio como a los que no le encuentran un fin muy interesante.

Matt Damon, en los últimos tiempos, ya nos tiene acostumbrados a sus buenas actuaciones y aunque compararlo con Tom Hanks pueda sonar demasiado, no lo es. 
La actuación de Damon interpretando al astronauta Mark Watney es excelente y nos retrotrae al momento de gloria de Tom Hanks en “Náufrago”. 
En parte, es un gran mérito de Matt Damon mantener entretenido y concentrado al espectador por más de dos horas en el relato de un astronauta experto en botánica, que dicho así no suena para nada alentador. Desde un primer momento, logra que se empatice con el protagonista y crea una relación “picara” y de iguales en los momentos cómicos de la película. 


Si algo queda por destacar, y que no es para nada menos importante, es la musicalización de la película. La tensión del filme es apaciguada con una selección de hits funk de los 70’s y 80’s. “Hot Stuff” de Donna Summer, “Starman” de David Bowie, “Waterloo” de Abba y “I Will Survive” de Gloria Gaynor, son algunas de las canciones que hacen que el espectador mueva los hombros mientras que el protagonista Watney las escucha de mala gana porque es la única música que tiene. 

La película, con múltiples desenlaces, no logra una resolución al nivel del planteo inicial ni tan sólido como su desarrollo, pero, no obstante, se puede afirmar que no nos deja un sabor agridulce en lo más mínimo. 
“Misión Rescate” es una película inteligente que, sin descuidar el entretenimiento, acerca al espectador al interrogante de la condición humana en las situaciones más extremas. 


Ficha Técnica:

Titulo: The Martian
Año: 2015
Dirección: Ridley Scott
Producción: Twentieth Century Fox – Scout Free
Guión: Drew Goddard, adaptado de la novela de Andy Weir
Música: Harry Gregson - Williams
Fotografía: Dariusz Wolski
Género: Ciencia Ficción – Drama
Duración: 142 minutos
País: Estados Unidos




Por Anahi Boragnio

domingo, 24 de abril de 2016

Las insoladas: Con olor a quemado y a media sonrisa.

Es sabido que tener un buen elenco es un llamado seguro y bien atendido por los espectadores. Da el primer paso a un futuro éxito pero, también sabemos que, eso no es todo lo que se necesita.

Las insoladas reúne a Carla Peterson (Flor), Luisana Lopilato (Lala), Marina Bellati (Valeria), Elisa Carricajo (Karina), Maricel Álvarez (Sol) y a Violeta Urtizberea (Vicky) en un caluroso día de diciembre de 1995 en pleno Buenos Aires. Cuenta la historia de seis mujeres, compañeras de clases de salsa, que imaginan un mismo sueño: irse de vacaciones a Cuba.  

Una terraza y seis mujeres durante más de una hora y media es un poco pretencioso por parte de Gustavo Taretto, director y guionista de la película. 
Si hay algo para destacar de Taretto como director en “Las Insoladas” es el uso del espacio. Esta historia transcurre por completo en la terraza de un edificio del centro porteño, las complicaciones de no cambiar el escenario pueden ser demasiadas pero Taretto logra sobre pasarlas a todas ellas. Aprovecha cada desnivel  y superficie de la terraza como un espacio de diálogo, logra algo casi teatral que atrapa a los espectadores. Los límites escenográficos los marca el espacio aéreo urbano donde la fotografía hace un gran trabajo, se retratan las cúpulas, terrazas vecinas, antenas, etc. como un lejano y ajeno horizonte de las protagonistas. 

Con un guión que se queda corto para la extensa duración del film, cabe destacar algunos de los diálogos estereotipados que se dan. A pesar de su banalidad y de caer en lugares comunes que a veces no lo favorecen, logran mostrar un fiel reflejo de la época Menemista que vivió la Argentina en la década del 90.


A pesar de las veces que “Las Insoladas” hace crecer el deseo de pausar el film y movernos de nuestro asiento, es meritorio resaltar la única enseñanza que nos deja: saber como sacarnos la insolación (¡siempre es bueno para cuando olvidamos el protector en un día de playa!).
Como género “Comedia”, el humor aparece en dosis muy pequeñas. La fotografía, el vestuario y la buena adaptación a la época es lo atractivo del largometraje.

La sensación de estar al sol a las 12 del mediodía en la playa y sin sombrilla, el insoportable calor que pega de lleno en la cabeza, el sentir como la piel se quema y estira y el lento paso del tiempo, esa sensación no muy agradable para muchos y ese gusto amargo y doloroso con el que te acostas a la noche en el Hotel, eso mismo es lo que te deja “Las insoladas”

Ficha Técnica:

Titulo: Las insoladas
Año: 2014
Dirección: Gustavo Taretto
Guión: Gabrela Garcia y Gustavo Taretto
Música: Gabriel Chwojnik
Fotografía: Leandro Martínez
Género: Comedia - Color
Duración: 102 minutos
País: Argentina



Por Anahí Boragnio

martes, 12 de abril de 2016

¡La espera terminó! Nuevo trailer de "Animales fantásticos y dónde encontrarlos"

Después de tanto desearlo llegó lo que todos los Pottermaniacos queríamos, el segundo trailer de la película: “Animales fantásticos y dónde encontrarlos”.

En el día de ayer Warner Bross dio a conocer un adelanto del film mostrando un poco más de la historia que llegará a las salas de Argentina el 18 de noviembre.


Con el guión escrito por la mismísima J.K.Rowling la película es una adaptación del libro homónimo de Rowling y un spin-off de la saga “Harry Potter” donde se cuenta la historia de Newt Scamander, un magizoologo especializado en el estudio y la búsqueda de criaturas mágicas.
El trailer nos muestra la llegada de Scamander a Nueva York acompañado de un misteriosos equipaje, una valija “sin fondo” que nos recuerda a la mágica cartera de Hermione. 
La película transcurre en la década del 20 y el conflicto principal de la historia surge cuando las criaturas mágicas que Scamander lleva en su valija se escapan. Es en ese momento cuando el protagonista empezará a ver como los magos de la ciudad le temen a los muggles que la habitan y cuales son las consecuencias de hacer magia en público. 

Por el momento no hay gran cantidad de detalles del film pero los que se dieron ya alcanzan y sobran para esperar con ansias la fecha de estreno. 
Confiando en el adelanto y con el sello asegurado del nombre J.K.Rowling, esta nueva invitación al mundo mágico promete mucha acción, adrenalina, mucho de que hablar y, por sobre todas las cosas, mucha magia. 

¡Accio film!



Por Anahí Boragnio

sábado, 6 de junio de 2015

Cake: Una cocina de grandes actuaciones

¿Puede un pastel ser una razón para vivir? 

Un accidente que dejó marcas imborrables, un suicidio que cuesta entender y una vida próxima que no se deja acercar. 

“¿Quieres mejorar? En serio, sin mentirme, ¿Quieres mejorar?” Claire (Jennifer Aniston) es una mujer traumatizada por un grave accidente que la dejo llena de cicatrices en su cuerpo y con un dolor crónico imposible de soportar. La idea del suicidio ronda por su cabeza hace tiempo hasta que la toca de cerca. Nina (Anna Kendrick), su compañera del grupo de ayuda lo concreta; Dejando solos a su marido y su hijo de cinco años, salta al vació para terminar con el sufrimiento. En la búsqueda de la razón del suicidio de su compañera, Claire inicia una relación con Roy (Sam Worthington), el viudo de Nina.


Tengo que admitirlo, después de 20 años, todavía me era imposible ver a Jennifer Aniston como otra persona que no sea Rachel, su famoso personaje en la serie Friends, y más aun, era difícil pensarla en un personaje que no sea cómico. 
Cake le dio el salto, si hay algo por lo que vale ver esta película es por la excelente actuación de Aniston. Totalmente atípico al género al que nos tiene acostumbrados, nos ofrece una interpretación fuerte y comprometida.
Claire, su personaje, sufre dolor crónico y su interpretación es inmensa, convincente. Su dolor llega directamente al espectador, se siente, nos molesta e incomoda, nos duele como a ella hasta el punto de hacerte mover de tu butaca para encontrar la comodidad.
Actores secundarios, pero que consiguen un inmenso protagonismo son Adriana Barraza, Anna Kendrick, Sam Worthington, Chris Messina.y William H. Macy.
Adriana Brraza interpreta a Silvina, empleada de la casa de Claire y que se convierte en su fiel compañera luego del accidente. Una actuación destacable y que se encuentra con el amor de los espectadores tocando la parte mas humana de una persona. 
Anna Kendrick se convierte en Nina, un personaje que solo aparece cuando Claire la imagina pero que fue real cuando era compañera de esta en el grupo de terapia y padecía el mismo dolor crónico. Convirtiéndose en la “conciencia incisiva” de la protagonista, la incita y aconseja a seguir sus pasos, el suicidio. Kendrick, como ya la hemos visto en otras películas, se luce en un papel que resulta secundario pero de gran importancia en la historia. 
Sam Worthington y Chris Messina son los hombres de la vida de Claire. Worthington, interpretando a Roy (viudo de Nina) quien acompañara a la protagonista bajo el mismo dolor de la pérdida de un ser querido, consigue un papel bien interpretado, convincente y cercano, parece que encuentra su lugar en el cine. Por su lado Chris Messina es Jason Bennett, odiado y amado por Claire es su ex marido con quien comparte un gran dolor desde el momento del accidente. 
Finalmente, William H. Macy, aparece solo un minuto en la película pero en uno de los momento más estelares de la función. Su actuación es justa y posiciona a Jennifer Aniston en una de sus escenas más brillantes. 
Con una musicalización que suena trillada, una fotografía poco explotada y un guión que deja algo que desear, se podría decir que Cake pretende ser un drama mucho mayor al que en verdad es pero, aunque no sea una película tan potente emocionalmente como gustaría, es muy digna de ver. Se salva por las grandes actuaciones, sobresaliendo Jennifer Aniston como su protagonista.

Ficha Técnica:

Titulo: Cake
Año: 2014
Dirección: Daniel Barnz
Producción: Ben Barnz – Kristin Hahn – Courtney Solomon – Mark Canton
Guión: Patrick Tobin
Música: Christophe Beck
Fotografía: Rachel Morrison
Género: Drama
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos



Por Anahí Boragnio

viernes, 12 de julio de 2013

73 años después seguimos pidiendo lo mismo: Más humanidad y menos maquinas.

Estamos en el 2013 y el discurso de la película "El gran dictador", de Charles Chaplin, parece tan actual que da escalofríos. Desde 1940 hasta ahora seguimos luchando por lo mismo. Mas humanidad y menos maquinas.



"Yo no quiero ser emperador. Ese no es mi oficio, sino ayudar a todos si fuera posible. Blancos o negros. Judíos o gentiles. Tenemos que ayudarnos los unos a los otros; los seres humanos somos así. Queremos hacer felices a los demás, no hacernos desgraciados. No queremos odiar ni ayudar a nadie. En este mundo hay sitio para todos y la buena tierra es rica y puede alimentar a todos los seres.
Lo siento. 
El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las armas, ha levantado barreras de odio, nos ha empujado hacia las miserias y las matanzas. 
Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado a nosotros mismos. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado, sentimos muy poco. 
Más que máquinas necesitamos más humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. 
Sin estas cualidades la vida será violenta, se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana, exige la hermandad universal que nos una a todos nosotros. 
Ahora mismo, mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, millones de hombres desesperados, mujeres y niños, víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. 
El odio pasará y caerán los dictadores, y el poder que se le quitó al pueblo se le reintegrará al pueblo, y, así, mientras el Hombre exista, la libertad no perecerá. 
Soldados. 
No os entreguéis a eso que en realidad os desprecian, os esclavizan, reglamentan vuestras vidas y os dicen qué tenéis que hacer, qué decir y qué sentir. 
Os barren el cerebro, os ceban, os tratan como a ganado y como carne de cañón. No os entreguéis a estos individuos inhumanos, hombres máquina, con cerebros y corazones de máquina. 
Vosotros no sois ganado, no sois máquinas, sois Hombres. Lleváis el amor de la Humanidad en vuestros corazones, no el odio. Sólo lo que no aman odian, los que nos aman y los inhumanos. 
Soldados. 
No luchéis por la esclavitud, sino por la libertad. El el capítulo 17 de San Lucas se lee: "El Reino de Dios no está en un hombre, ni en un grupo de hombres, sino en todos los hombres..." Vosotros los hombres tenéis el poder. El poder de crear máquinas, el poder de crear felicidad, el poder de hacer esta vida libre y hermosa y convertirla en una maravillosa aventura. 
En nombre de la democracia, utilicemos ese poder actuando todos unidos. Luchemos por un mundo nuevo, digno y noble que garantice a los hombres un trabajo, a la juventud un futuro y a la vejez seguridad. Pero bajo la promesa de esas cosas, las fieras subieron al poder. Pero mintieron; nunca han cumplido sus promesas ni nunca las cumplirán. Los dictadores son libres sólo ellos, pero esclavizan al pueblo. Luchemos ahora para hacer realidad lo prometido. Todos a luchar para liberar al mundo. Para derribar barreras nacionales, para eliminar la ambición, el odio y la intolerancia. 
Luchemos por el mundo de la razón. 
Un mundo donde la ciencia, el progreso, nos conduzca a todos a la felicidad. 
Soldados. 
En nombre de la democracia, debemos unirnos todos."

Por Anahí Boragnio

domingo, 2 de junio de 2013

Citizen Kane: "Si no hubiera sido tan rico, habría podido ser un gran hombre"


Ciudadano Kane es una película estadounidense de 1941 dirigida, escrita, producida y protagonizada por Orson Welles. Esta considera como una de las obras maestras de la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, en la fotografía y en la estructura narrativa.

La película narra la historia de vida del multimillonario Charles Foster Kane (Orson Welles), habla sobre su imperio económico, su cadena de diarios, emisoras y fabricas; De sus ambiciones políticas, finalmente frustradas y su vida sentimental, primero con Emily Norton (Ruth Warrick), sobrina del presidente de los Estados Unidos y su affaire con Susan Alexander (Dorothy Comingore), una atractiva aficionada al canto a quien le construye un teatro de la opera y luego se convierte en su segunda esposa.
Si algo tienen en común Charles Foster Kane y Orson Welles es que ambos son ambiciosos. Welles quería una película que supere a todas las demás y sea única en su momento y lo consiguió.
Los actores, la escenografia, la música, la iluminación, la dirección y la producción hacen una combinación perfecta en “Ciudadano Kane”.
Si hay algo muy bien logrado es el misterio constante que se vive a lo largo de toda la película. Desde el comienzo se quiere descubrir el significado de la última palabra que dijo Kane antes de morir “Rosebud”. Partiendo de esta palabra se empieza a contar la historia del multimillonario, interpretado por Welles, con escenas que recurren al flashback, de esta forma Orson rompe con la estructura narrativa a la que los espectadores estaban acostumbrados. Toda la historia es contada a través de los recuerdos que tienen amigos de Kane. De esta manera también se muestra el paso del tiempo en las personas, se puede notar un gran esfuerzo por parte de maquillaje para hacer que los actores parezcan mucho mas grande de lo que son en realidad.
Es para destacar el trabajo de iluminación que tiene toda la película. Es una iluminación al estilo Alemán, el cual es muy llamativo ya que se basa en no iluminar a quien esta hablando en la escena. En “Ciudadano Kane” podemos ver que, en su mayoría, el personaje que habla no es el que es
enfocado por la cámara y las luces, se juega con el misterio de la voz y la cara del actor.
Si algo consigue Orson Welles  es que la tecnología llegue al cine, con grandes equipos de filmación incorpora al filme un montaje completamente atractivo, con escenas que chocan al espectador, logra tomas con profundidad de campo que consiste en mostrar escenas con 1º, 2º y hasta 3º plano, también incorpora la filmación con grúa y cámaras en el techo del set para que las escenas sean vistas de arriba.
“Ciudadano Kane” es una película con un guión largo y profundo pero que, a pesar de las idas y vueltas, resulta totalmente comprensible y asombrosa para cualquier espectador.

Ficha Técnica:

Titulo: Citizen Kane
Año: 1941
Dirección: Orson Welles
Producción:  Orson Welles y George Schaefer
Guión: Herman J. Mankiewicz y Orson Welles
Música: Bernad Herrmann
Fotografía: Gregg Toland
Género: Drama
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos





Por Anahí Boragnio

miércoles, 13 de febrero de 2013

"Life in a day": El documental de YouTube que atrapó a miles de usuarios


La propuesta: “Pedimos a gente de todo el mundo que grabara su vida y respondiera a unas preguntas…Todas se grabaron en un único día: el 24 de julio de 2010”

El resultado: “Recibimos 4500 horas de video de 192 países”

Con esta consigna el director de “Life in a day”,  Kevin Macdonald, logró hacer un documental que reúna a todos los países. Diferentes culturas, etnias, estilos de vida y pensamientos se ven en este proyecto.
La propuesta fue dada a conocer a través de YouTube, se les pedía a los usuarios mandar un video grabado el 24 de julio de 2010 para que, posteriormente, el director editara los videos para hacer el film.
El documental fue estrenado en el Festival de Cine de Sundance en 2011 y, al mismo tiempo, mostrado en directo por YouTube.
Si algo sale de lo común en este largometraje, dejando de lado la idea en si misma, es que todos los autores de los videos elegidos son acreditados como co-directores. Cada uno de ellos aparece en los créditos finales del film.
“La vida en un día”, titulo traducido al español, capta la esencia de la vida en la Tierra, a cada ser humano en su rutina, mostrando como en 24hs pueden pasar diferentes cosas en la vida de las personas.
Kevin Macdonald, consigue junto a su equipo y los usuarios un profundo logro.
En un poco más de 90 minutos este documental lleva al espectador por un sinfín de sensaciones, primero resulta divertido, luego aterrador, aburrido, conmovedor, amateur y modesto en su simplicidad. Muestra una ambición en su alcance global que lo consigue desde un primer momento, mostrando las diferentes personas, sus distintas lenguas y costumbres.
La edición, la música y la fotografía son más que destacables. Mantienen el ritmo, acompañan las historias y logran captar todo lo  que un video filmado con una cámara casera no puede mostrar.
“Life in a day” fue traducido a 19 idiomas y tiene su propio canal en YouTube con la particularidad de tener el documental completo. Cualquier persona puede verlo y disfrutarlo online con los subtítulos a elección. Ya lleva  38.069.284 reproducciones y tiene más de 146.000 suscriptos al canal.


Ficha Técnica:

Titulo: Life in a day
Año: 2011
Dirección: Kevin Macdonald
Producción: Ridley Scout y Liza Marshall
Música: Harry Gregson-Williams y Matthew Herbert
Fotografía: Soma Helmi
Edición: Joe Walker
Género: Documental
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos y Reino Unido
Web oficial: http://www.youtube.com/lifeinaday



Por Anahí Boragnio

viernes, 28 de diciembre de 2012

¿La culpa es de Fidel o la lección es de Anna?


Francia, corren los años 70, Anna es una niña de 9 años, su familia es de un nivel económico alto, ella y su hermano menor van a un colegio católico, pero no todo es color de rosa en su familia. Una sombra entorpece su buen pasar, un tío que lucha contra el franquismo en España, es comunista y de él no se debe hablar en la familia. Tras la detención y muerte de su tío, un viaje a Chile por parte de sus padres los hace transformarse completamente y le muestra a Anna una visión del mundo que hasta ese momento era vista como incorrecta. Esta muerte y detención será el desencadenante de la historia que Anna nos contara desde su propio punto de vista.
“La culpa es de Fidel” transcurre en el Paris de 1970-1973 con la decantación del Mayo del 68, el ascenso y caída del gobierno de Salvador Allende en Chile y la lucha pública de mujeres para la legalización del aborto. Todos estos puntos serán elementos que irán modificando la forma en que Anna (Nina Kervel) se ira relacionando con sus padres (Julie Depardiu y Stefano Accorsi), con los otros integrantes de su familia, con su entorno escolar, con sus amigos y con los militantes de izquierda que circulan por su casa (“Los barbudos comunistas”, como ella los llama y en los que cree ver la causa de sus desgracias).
Julie Gavras debuta como directora con esta película, “La culpa es de Fidel” es su opera prima y la hace quedar más que excelente. Logra llegar al espectador con tanta fuerza que uno termina entendiendo tanto la posición militante de los padres, que buscan darle a sus hijos un mejor nivel de vida social (según su punto de vista), como a Anna y su hermano menor que no pueden entender estos cambios ni adaptarse a ellos. La directora logra, como si  se tratara de un cuento, mostrarnos a través de la visión de una niña la peor parte de nuestra historia reciente sin especulación, como solo un niño puede narrarlo, una visión neutra y apolítica.
El guión de la película es extraordinario, posee frases que solo un niño puede ser capaz de decir desde su ingenuidad y su desconocimiento del mundo. Es un guión simple, ya que en su mayoría es dicho por una niña, pero al mismo tiempo reproduce ideas profundas y logra llegar a cada espectador.
La música de la película consigue acompañar de la mejor manera todas las escenas de la misma, ya sean las mas duras como cuando los padres de Anna la llevan a una marcha política, hasta los momentos mas felices que ella recuerda cuando estaba en su casa de Francia con sus abuelos.
“La culpa es de Fidel”, “La faute à Fidel!” en su idioma original, puede sintetizarse como  lo nuevo del cine francés, el realismo se apodera de las imágenes y donde los niños nos cuentan la verdad de lo que sucedió con nuestra maltratada historia.
El film intenta mostrar que Anna podría ser cualquier niña en cualquier país en esos años de cambio social.


Ficha Técnica:

Titulo: La faute à Fidel!
Año: 2006
Dirección: Julie Gavras
Producción: Sylvie Pialat y Mathieu Bompoint
Guión: Arnaud Cathrine y Julie Gavras
Música: Armand Amar
Fotografía: Nathalie Durand
Genero: Drama
Duración: 99 minutos
País: Francia





Por Anahí Boragnio

viernes, 23 de noviembre de 2012

Cine – Teatro, la combinación perfecta en 9 tomas


El cine y el teatro pueden ser similares pero cada uno cumple con una característica distinta. La edición, los cortes y las diferentes tomas de una misma escena es lo que los separa principalmente. 
En el cine una escena puede ser grabada varias veces y luego ver que toma queda mejor; En cambio en el teatro, lo que se hace es lo que se ve, no hay posibilidades de grandes errores o de volver sobre una escena, el espectador ve cada acción y detalle de lo que pasa en el escenario.
Es imposible pensar en una película como obra de teatro, los cambios de escenario, las tomas y los movimientos de cámara son característicos del cine y, casi imposible, llevarlos a las tablas. 
Nada más, ni nada menos que Hitchcock consigue romper con todos estos cánones. Conocido por grandes películas como “Rebbeca” (1940), “Cuéntame tu vida” (1945),  “La ventana indiscreta” (1954), “Psicosis” (1960), “Los pájaros” (1963), Hitchcock logra en “La soga” (1948) hacer cine – teatro.


“La soga” es el primer filme a color dirigida por Hitchcock y en donde logra hacer algo sensacional. La película esta rodada en una sucesión de planos secuencia, su historia parece filmada en una sola toma pero tiene 9 cortes. La intención de Hitchcock era rodarla en tiempo real en una sola toma, pero las cámaras solo podían grabar 10 minutos seguidos así que se vio obligado a hacer varios cortes. 
Hay momentos de la película donde una ve que la cámara se acerca a un lugar oscuro, sobre todo a la espalda de los actores, esos son los momentos donde se hacia el cambio de rollo, para que no se use la edición. Se terminaba la toma en una espalda, se hacia el cambio de cinta y se continuaba grabando desde ese mismo lugar. De este modo se logro una acción continua y es donde entra la esencia del teatro. El espectador en todo momento siente que ve una obra de teatro ya que no se perciben cortes en las escenas.
Es para destacar la actuación de los personajes, con este nuevo concepto de cine – teatro que hizo Hitchcock, sus actuaciones debían ser continuas, sin errores ni pausas y así lo fueron. 
“La soga”, “Rope” en su idioma original, cuenta la historia de una pareja de excelentes estudiantes, Brandon (John Dall) y Phillip (Farley Granger), que ahorcan a un compañero de clase David Kently (Dick Hogan). El objetivo del asesinato es mostrar su superioridad, influenciados por su profesor Rupert Cadell (James Stewart). Después de cometida la muerte organizan una fiesta donde invitan a los padres de la victima, donde solo va su padre (Cedric Hardwicke) y en lugar de la madre va su tía (Constance Collier), a su novia (Joan Chandler), su mejor amigo (Douglas Dick) y al profesor. 
La historia consigue mantener al espectador atento a cada acción pero el momento culmine es en su  desenlace. Es un filme que esta basado en la teoría del filósofo alemán Nietzsche, tomada, reformada y utilizada luego por el Nazismo, sobre el “Superhombre”. Esta teoría se basa en una sustitución de Dios para que el hombre se convierta en un ser con plenitud de poder, según Nietzsche una transformación que requiere voluntad de dominio, agresión y sentimientos hacia lo ajeno. 
“La soga” fue una película que causo cierto escándalo en su tiempo. Aunque nunca se menciona ni se hace explicito, se puede percibir una relación homosexual entre los protagonistas, situación que para los años 40 no era aceptada por la sociedad.
Una película donde lo extraordinario se mezcla con lo cotidiano, donde se tratan temas del falso culpable, la transferencia de culpa y se conecta lo siniestro con el destino, Hitchcock consigue unir el arte con el entretenimiento de una manera sublime.
¿Puede alguien auto nominarse “ser superior” y matar a una persona por considerarlo “inferior” sin sufrir ninguna consecuencia? Hitchcock plantea esto en una pelicula con la duracion justa y nos deja pensando en su respuesta.

Ficha Técnica:

Titulo: Rope
Año: 1948
Dirección: Alfred Hitchcock
Producción: Sidney Bernstein y Alfred Hitchcock
Guión: Ben Hecht, Arthur Laurents (Basada en la obra de Patrick Hamilton)
Música: Leo Forbstein
Fotografía: William V. Skall y Joseph A. Valentine
Género: Suspenso
Duración: 80 minutos
País: Estados Unidos

Por Anahí Boragnio

viernes, 16 de noviembre de 2012

Charles Chaplin: "Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo."

Mirada de cerca, la vida es una tragedia, pero vista de lejos...parece una comedia.

Nadie puede negar que Charles Chaplin fue uno de los primeros actores cómicos que supo, a través de las muecas y la actuación, cautivar a cada espectador.
"El Pibe" es una de las películas mudas que logro trascender y sigue siendo popular hoy en día.
Es interesante ver como se logra reunir en una sola historia, no muy larga, miles de sentimientos. Esta película envuelve la ternura, la protección, el desinterés y la comedia.
El vagabundo (Charles Chaplin) vive una vida normal hasta que, sin buscarlo, debe hacerse cargo de un chico (Jackie Coogan) que fue abandonado por su madre (Edna Purviance). A lo largo del filme se muestra como dos personas abandonadas logran reconstruir algo tan grande como el amor.
La película es una crítica que defiende el sentimiento de los pobres, del que carece el Estado representado por la asistente social.
En cuanto a la producción y escenografía, se puede notar una diferencia abismal con las películas de hoy en día,  pero en ese momento eran de alto nivel.
La gran mayoría de las escenas de "El Pibe" se basan en planos generales y fijos, no hay movimiento de cámara que acompañen a los actores.
La escenografía es toda de estudio, aunque la película tiene muchas escenas de exterior, ya que en su mayoría transcurre en la calle, todas las tomas mostradas están hechas dentro de cuatro paredes, en un estudio de grabación.
Todo esto, que hoy es poco probable que ocurra, se debe a la poca tecnología que había en la época.
La música, como es compuesta por Chaplin, ayuda a todos los climas de la película y logra una simbiosis entre lo dramático y lo cómico.
En "El Pibe", "The Kid" en su idioma original, los protagonistas son 3 y las actuaciones son de primer nivel. Empezando por Charles, que ya venia con grandes referencias en el mundo del cine. Logra, a lo largo de la película  hacer emocionar y reir a cada espectador; Edna Purviance que hace el papel de la madre del chico quien lo abandona y se arrepiente de dicho acto, consigue que podamos comprender a su personaje a pesar de los diferentes matices que posee; Jackie Coogan, el niño abandonado, es la verdadera revelación de la película  Encarna uno de los personajes mas difíciles, ya que es quien sufre la mayoría de los problemas que se llevan a cabo. Coogan logra, a pesar de su corta edad, hacernos creer cada una de sus acciones, pasando por las escenas picaras a escenas con una gran carga emotiva. 
Empezando por "El Pibe" y siguiendo por todas sus películas  Chaplin siempre plasmo la critica hacia lo social desde el lado emotivo y cómico; Fue, es y sera un gran exponente de lo cómico, lo humano y lo poético.


Ficha Técnica:

Titulo: The Kid
Año: 1921
Dirección: Charles Chaplin
Producción: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Música: Charles Chaplin
Fotografía: Roland Totheroh
Género: Comedia
Duración: 65 minutos




Por Anahí Boragnio

domingo, 7 de octubre de 2012

Un cuento chino


¿Cuántas veces pensamos en situaciones que creemos absurdas y que jamás sucederán? Esas noticias que aparecen en los medios y uno dice “Esto tiene que ser inventado, es imposible que suceda”.
Un cuento chino es la nueva comedia dramática Argentina que dará que hablar. Con la dirección de Sebastián Borensztein y de la mano de uno de los mejores actores de Argentina, Ricardo Darin, la película se basa en la vida cotidiana de una persona que de golpe una situación absurda dará un cambio radical en sus días.
Un chino llamado Jun (Huang Sheng Huang) cambiara la vida de Roberto (Ricardo Darin) y hará que este se de cuenta de cómo paso su vida aislado de la sociedad.
En tan solo una hora y media, el director Borensztein logra, con sencillez pero gran éxito, contar una historia real pero increíble y mostrar la necesidad del afecto para no vivir aislados del resto del mundo en lo fisico y lo emocional.
Una película con tan solo tres personajes pero que cada uno de ellos tiene un rol muy importante en todo el transcurso de la historia.
Cada actor logra lucirse en su poco tiempo de escena que posee, ya que la historia básicamente ronda en el chino y en Roberto.
Muriel Santa Ana, en su personaje como Mari, tiene escenas muy cortas, pero es capaz que en cada una de ellas genere, de forma imprevista, un conflicto que luego será resuelto; sus sentimientos son tan bien expresados que uno logra meterse en su personaje y entenderlo en cada una de sus actitudes.
Darin al mismo tiempo, siendo Roberto, muestra todo el tiempo sus ambigüedades con la vida y hace que uno sienta lo mismo que él, un personaje que genera odio y amor en el público al mismo tiempo.
El actor Huan Sheng Huang no se queda atrás, ya que con su personaje como Jun o “el chino”, todo el tiempo te mantiene en desesperación, porque al no hablar español se dificulta la comprensión para con él
Un cuento chino es una de las pocas películas que no usa un recurso tan necesario como la música, logra transmitir y hacerte sentir todo lo que siente el personaje desde su actuación misma.  
Un cuento chino es una película sencilla, sin dobles intenciones o bajada de línea, sólida y concreta que no defrauda a los seguidores del cine argentino.

Ficha Técnica:
Dirección: Sebastián Borensztein
Producción: Pablo Bossi – Juan Pablo Buscarini
Guión: Sebastián Borensztein
Música: Lucio Godoy
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Genero: Comedia Romántica
Duración: 95 minutos.
Clasificación: ATP





Por Anahí Boragnio